Tras la ruptura y desgaste del grupo de impresionistas, así como la marcha de muchos pintores al extranjero, aparece un nuevo estilo denominado Postimpresionismo, es un arte que cambia con la sociedad, la cual cada vez es más miserable y las ramas sociales marginadas cada vez son más numerosas. Tenemos que tener en cuenta que los artistas academicistas continúan rigiendo el panorama artístico, aunque el grupo de los Impresionista abrió puertas a los nuevos artistas, dejando una nueva descendencia. Algunos de ellos expusieron en el Salón. Este estilo también rompió barreras territoriales; si el impresionismo fue exclusivo de pintores que desarrollan su obra en Francia, los Postimpresionistas van a salir de ella.
En este estilo tampoco existe una hegemonía concreta, pues cada autor desarrolla un estilo dentro del estilo, aún así todos ellos poseen unas características comunes:
- Tratan de superar el diálogo entre pintor y naturaleza.
- Las obras se realizan con la intención de crear sobre el espectador un sentimiento y diversas emociones.
- Hay una vuelta al interés de lo religioso, a la literatura y a los acadecismos.
PUNTILLISMO:
Este estilo artístico se desarrolla mediante la teoría del color de Chevreul, donde mediantela superposición de puntos de colores primarios y secundarios engañan a la vista, mezclándose los propios colores en el ojo, para ello se ha de realizar un estudio anterior de bocetos y preparaciones de la obra, que es de grandes dimensiones. Este estilo dota a la imagen de una curiosa textura, con formas geometrizadas.
La crítica consideró este estilo destructivo para el pintor.
George Seurat:
Frances e iniciador de este estilo nuevo en la pintura; el autor pensaba que un pintor podía usar e color para crear armonía y emociones en el arte, para ello usó la teoría antes explicada y desarrolló lo que se denominó puntillismo. Su obra, metódica y estudiada, entra dentro de la tendencia analítica del arte.
Poseía una educación académica, pues entró en la Escuela de Bellas Artes de París en en 1878.
No solo estudió la teoría del color, sino también la Teoría de las direcciones, donde la línea y el color podían obtener emociones del espectador según su ejecución. A demás su obra esá plagada de un simbolismo no intencionado pero si sugerido.
En sus obras tardía se puede ver un intento de crítica a la sociedad de su tiempo, a la que considera banal. En sus obras invita al espectador a participar en el mundo pintado por él, tratando de expresar sentimientos y pensamientos.
Esta obra fue presentada en el Salón en 1886, siendo vista pro muchos impresionista como la roptura final del impresionismo y el surgir de un nuevo estilo.
De temática impresionista, pues es una escena urbana, donde los personajes aparecen representados de manera rígida y geométrica, distribuidos de manera metódica, abundando la línea en diagonal para generar profundidad; las sombras también están muy calculadas, posicionandolas a unos 90º del sujeto. Es un cuadro de gran tamaño que fue precedido por muchos bocetos. En él empleará colores puros y colores complementarios, destacando la nitidez del primer plano.
Tras ser expuesta esta obra en la exposición de Los XX de Bruselas, el puntillismo se extendió por toda Europa.
Cuadro de unos 2 metros x 3 metros, de temática impresionista. Vemos a unos bañistas, unos bañandose y una figura central que está sentada en la orilla del río en bañador, y varios personajes en reposo, recostados en la hierva, disfrutando del día. Todos aparecen de perfil, son figuras hieráticas, rodeadas de luminosidad que delimita los perfiles, todas ellas parecen observar algo en una dirección que el espectador no ve.
En ella se representa una escena de "parada", un número del circo que se realizaba en las calles de la ciudad para promocionar la llegada del circo. Es una escena de exterior, iluminada con los farolillos que iluminaban las calles, de ahí su oscuridad, si la comparamos con las dos anteriores. El lienzo tiene forma de friso, en donde el geometrísmo se hace más patente. Las figuras están colocadas en poca profundidad apareciendo en planos superpuestos. Busca un resultado fotográfico.En su línea y color intenta expresar un sentimiento.
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El Jaleo.
Esta escena es una escena de ocio, en la que aparece representado un baile con orquesta. Es una escena de interior que está alumbrada por una tupida luz artificial, con una composición ascendiente ya que los personajes de la banda fijan la mirada hacia arriba, el espectador mira a las bailarinas que están situadas por encima de él, y las bailarinas levantan una pierna levantando la mirada de manera coqueta. Podemos decir que el espectador retratado es un personaje caricaturizado, apareciendo como anécdota en la pintura. Intenta expresar un sentimiento de diversión y musicalidad, de alegría, de la escena.
El Circo.
Es la última obra importante de Seurat; en este cuadro usa como norma el color blanco en el borde del marco, prolongando el propio tono cromático del cuadro. En esta obra circense aparece en un primer plano un payaso, y al fondo una bailarina sobre un caballo junto a un feo saltimbanqui que hace piruetas, ambos personajes ataviados con vestimentas amarillas. Hay una preponderancia de la línea en el payaso; el caballo, la bailarina y el equilibrista adquieren posturas diagonales ascendentes, predominando los tonos cálidos. Una curiosidad son los espectadores que están situados en las gradas, pues el pintor realiza un análisis y los trata individualmente, cada uno posee una actitud y una acción diferente en el cuadro, algunos mirando entusiasmados la escenas, otros curioseando hacia un lado, otros hablando.
Si queréis ampliar la obra de este autor aquí tenéis el enlace de un blog donde aparecen todas las obras con sus nombres y fechas:
http://www.georgesseurat.org/home-2-24-1-0.html
Paul Signac:
Tras la muerte de Seurat, el puntillismo continuó con su discípulo Paul Signac, quien a lo largo de su carrera no solo desarrolló el puntillismo, sino que inició el divisionismo artístico.
Su obra posee las mismas características que las de su maestro; hieratismo, inmovilidad, artifiosidad en las formas, a demás de incluir su ideología política ne la visión de las obras, de tendencia anarquista.
En los interiores desarrolla un puntillismo caracterizado los contraste de luz.
Domingo.
Interior audazmente iluminado mediante los contrastes de zonas oscuras y zonas claras.
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Retrato de Félix Féneón.
En él podemos ver las características del divisionismo; el retrato del escritor y crítico Fléliz Féneón está realizado en perfil,. sobre un fondo abstracto y psicodélico, de formas arremolinadas.
Tiempo de armonía.
Es una obra de ideal antiurbano.
Retrato de una mujer con paraguas.
Aún así su temática más frecuente es la del tema marino, donde aparecen representados puestos y playas.
Escena de la costa.
Entrada del Gran Canal de Venecia.
Para ver más obras del autor os pongo un enlace de un blog donde aparecen todas las obras con sus nombres y fechas:
http://www.paul-signac.org/
Al estilo se unieron grandes impresionistas del momento y que hemos visto en la entrada de Los Impresionistas:
Camille Pissarro.
Henri Edmon Cross.
Lucien Pissarro.
Maximilein Duce:
Este autor estaba interesado en el ambiente obrero de las fábricas, cno escenas industriales y proletariadas.La fundición de hierro.
La rue Mauffetard.
La gran heredera del puntillosmo será el FUTURISMO.
Postimpresionistas independientes:
Paul Cézanne:
Pintor que comenzó su educación en la escuela provada de Suiza, donde pintaban modelos al natural; aunque no pudo ingresar en la Escuela de Bellas Artes, será el pintor que facilitó el camino del arte a las vanguardias del siglo posterior. Se formó con Camille Pissarro en el Impresionismo con trabajos al aire libre, participando en la primera exposición impresionista, pero aún así su actitud artística iba por caminos diferentes. En los años 70 se dedicó al género de bodegones y retratos, donde desarrolló su interés por el color y las formas, así como por las composiciones tectónicas, siendo obras claras y muy abocetadas.Con la muerte de su padre en 1886, volvió a su localidad de natalidad, añadiendo a los retratos paisajes y naturalezas muertas, así como una vuelta a la temática religiosa.
En 1890 le detectaron diabetes, enfermedad que le desestabilizó la personalidad.
En 1895 se celebró su primera exposición como independiente con unos 150 lienzos, gracias al marchante Vollard, quien consiguió promocionar al pintor aumentando su éxito y cotización.
Aunque era muy aclamado y respetado por los nuevos pintores, Cezánne siempre prefirió pintar en solitario, normalmente pintando en Provenza.
Para este pintor el color es la forma de dar volumen y forma al objeto que se representa o plasma sobre el lienzo; la pincelada depende de la composición del cuadro, para darle profundidad juega con las superficies cromáticas yuxtaponiendolas.
A lo largo de su vida evolucionará a unos colores más vivos, pues sus primeras obras poseen tonalidades oscuras con mucho pigmento, haciendo de su pincelada más pesada, y estando más influenciada por Pissarro que por otros impresionistas.
El pintor dejaba la mayoría de sus obras sin terminar o las destruía.
Durante mucho tiempo su obra solo fue reconocida por sus colegas impresionistas y algunos jóvenes radicales postimpresionistas como Vincent Van Gogh, hasta que en 1904 su obra fue nuevamente expuesta antes de su muerte, recibiendo el estatus de figura relevante, casi de leyenda de la pintura.
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Final de una serie de pinturas cuyo tema central es la partida de cartas. Esta última versión no es solo una impresión, sino también una descripción de que está pasando. En las tres últimas versiones los volúmenes se definen de manera geométrica, confiriendo a los personajes una dignidad clásica. De la aversión inicial de un juego de tres jugadores que son observados por más personas, hasta reducirla a los dos campesinos que aparecen junto una botella de vino, donde refleja la luz de la estancia. Distorsionando la perspectiva del fondo consigue mayor centralidad en la obra. Posee restricción cromática en los azules, amarillos y rojos.Serie de los jugadores de cartas:
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Autorretrato.
Paisajes, bodegones y pinturas muertas
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Temática religiosa y mitología:
Desarrolló dos series importantes en su obra:
- Serie dedicada a la montaña de Sainte- Victoire.
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- Serie de las bañistas.
Son obras de gran formato, en los que las poses y las figuras no son nada convencionales.
La herencia del autor en el arte será muy grande, pero sobre todo será el promotor del CUBISMO.
Para ver más obras podéis acceder a este blog:
http://www.paul-cezanne.org/
Vincent Van Gogh:
Hijo de un austero y humilde pastor protestante neerlandés, el primer trabajo del pintor fue le de marcante a la edad de 16 años. Aunque se inscribió en la Escuela de Bellas Artes, el pintor siempre había experimentado por su cuenta, siendo en su mayoría autodidacta.
- En su primera etapa el tema de las obras será el de los obreros y campesinos al estilo realista, modelos de la vida cotidiana, y de tonalidades oscuras, en esbozos y dibujos.
Destacamos el uso de colores pardos y oscuros, para representar el dolor y la miseria en la que viven los personajes representados. El foco de luz, la lampara, ilumina los rostros de los personajes, incluso dando un cierto brillo al personaje que aparece de espaldas.
El sembrador
- Etapa Impresionista: En 1886 marcha a París donde se establece con su hermano. Allí comenzó sus estudios clásicos como copista en el Louvre, desarrollándose su pasión por los colores luminosos y brillantes, adaptándose a la técnica impresionista.
Un par de zapatos.
Serie del molino de la Glette.
Huerta de Montmartre.
- Etapa de Puntillismo: Aún así no se siente cómodo en ese estilo, un poco perdido experimenta con el puntillismo en algunos retratos.
Interior de un restaurante.
- Comiendo del desarrollo Postimpresionista: Tras ir a la exposición de estampa japonesa se ve fascinado por ella, que como vemos en los impresionistas no es el único impresionado por como se desarrolla este estilo en Asia; situará fondos de estampados japoneses en algunos retratos e incluso creará una serie llamada "Fantasía Japonesa."
Retrato de Père Tanguy.
Comparación del puente Hiroshige, izquierda estampa japonesa, derecha pintura de Van Gogh.
Geicha.
- En 1888 viajó a Provenza instalándose en Arles. La cuidad le influenciará en la luz y el paisaje se volverá su gran pasión, con luces doradas y colores vivos. En este momento su temática se amplia, paisajes, naturalezas muertas, flores, escenas rústicas, retratos e interiores. Es por este entonces cuando el autor comienza a encontrar a su yo artístico, con un uso del color y de la pincelada violenta, impregnada en pigmento, rápida y dada sobre el lienzo a base de toques que se ondulan y circulan.
La Mudlak.
Cerezo en flor.
Bodegón con una botella, limones y naranjas.
Una calle de Sainte-Martes.
Girasoles.
El puente de Langlois.
Girasoles.
Granjero en Provence.
Jardín en flor.
Paisaje bajo un cielo de tormenta.
Vistas de Arles con Iris en el camino.
- Desarrollará su temática más conocida, y en mi opinión, una de las etapas más bellas de su obra, "Le Midi". Son paisajes estrellados y noches coloridas.
Terraza de un café de la Plaza del Forum de Arles por la noche.
La noche estrellada.
- Durante su estancia en París entablo una fuerte amistad con Paul Gauguin, con quien pretendió crear un taller de artistas en el sur de francia, pero su relación acabó en pelea y con un Van Gogh un tanto desquiciado que se cortó una oreja. En este autor podemos ver que esos cambios de personalidad afectan de diversas maneras a su obra, siendo curiosamente este el periodo más importante y creativo de su carrera.
La habitación de Vincent en Arles.
La silla de Vincent con pipa.
Autorretrato con la oreja vendada y pipa.
- Tras este graba suceso fue ingresado en el hospital mental de Saint-Remy, donde estará bajo tratamiento y la mirada de los doctores, siempre desarrollando su obra, una pasión muy vinculada a él. Las obras en este momento se vuelven más vibrantes, con un colorido obsesivo y una pincelada que ya no solo se curva, sino que se retuerce y arremolina según el estado de ánimo del pintor, reflejando en ellas su estado psicológico.
Campo de trigo y cipreses.
- Tras abandonar el hospital se establece en Auvers-sur-Oise, bajo la tutela del Dr. Gachet, a quién retrató. En este momento crea sus últimos paisajes, agitados, de pincelada rabiosa y abocetada al extremo, siendo no terminadas, sin formas. Ene ste momento el pintor realizó unas 500 obras.
Trigal con cuervos.
- A lo largo de su vida desarrolló una serie conocida como "Los girasoles" que se desarrollará durante su estancia en París y en Arles.
En este link podéis acceder a las obras: http://www.vggallery.com/misc/sunflowers.htm
Participó en el Salón de los Independientes y en el salón de los XX de Bruselas, en donde vendió su prime cuadro.
Conocemos la evolución de su obra gracias a las numerosas cartas que le escribió a su hermano, explicándole el desarrollo de estas.
Finamente se suicida en 1890 tras volarse los sesos de un disparo.
Para ver su obra completa podéis acceder a estos enlaces:
http://www.vggallery.com/
http://www.vangoghgallery.com/
SIMBOLISMO:
El simbolismo no es ni una corriente ni un estilo, sino una expresión del espíritu del pintor.Cada autor ve a ser diferente, pero hay pequeños aspectos que los vinculan:
- Enfrentamiento a las corrientes principales.
- Poseen una estética imaginativa, rozando el misterio y el ocultismo.
- El arte debe de ocuparse de las ideas y no de los problemas sociales.
- La mujer tiene un papel simbólico, es representado como ser perverso e inocente a la vez.
En 1892 los simbolistas crearon el Salón de la Rose+Croix.
Gustave Moreau:
Considerado el patriarca de la vertiente francesa, de padrea arquitecto, se formó con el pintor romántico Chassériau; hizo un viaje a Italia donde realizó copias de los grandes italianos renacentistas, por ello su obra está a acaballo entre el romanticismo y el simbolismo.
En su primera etapa se nota la inifluencia de Ingres y Delacroix, en la elección de la temática y la representación anatómica de las figuras. Con el tiempo la obra adquiere menor importancia en la línea y adquiere más colorido, mientras que en su última etapa destacan las series de acuarelas que la crítica las considera muy cercanas a la abstracción.
El mundo del pintor está plagado de adolescentes andróginos y mujeres fascinantes y perversas, así como una constante predilección por los monstruos, reflejados en pinturas de pequeño formato en acuarela y óleo impregnados sobre el lienzo con gruesas capas de pigmentos, que le permiten crear relieves y texturas arabescas.
Jasón.
Afrodita.
La Quimera.
Hércules y la hidra de Lerma.
Júpiter y Sémele.
En su primera etapa se nota la inifluencia de Ingres y Delacroix, en la elección de la temática y la representación anatómica de las figuras. Con el tiempo la obra adquiere menor importancia en la línea y adquiere más colorido, mientras que en su última etapa destacan las series de acuarelas que la crítica las considera muy cercanas a la abstracción.
El mundo del pintor está plagado de adolescentes andróginos y mujeres fascinantes y perversas, así como una constante predilección por los monstruos, reflejados en pinturas de pequeño formato en acuarela y óleo impregnados sobre el lienzo con gruesas capas de pigmentos, que le permiten crear relieves y texturas arabescas.
Edipo y la Esfinge.
No es frecuente la temática religiosa, a excepción de un Via Crucis encargado para la iglesia de Notre-Dame-de-Decazeville y su temática favorita, Salomé.
Via Crucis.
La aparición.
En él aparece ese prototipo femenino que le gustaba al pintor, una mujer imprevisible y castradora.
Puvis de Chavannes:
Al contrario que Moreau, este pintor usa un tipo de pincelada y pintura más uniforme, extendida por la superficie de colores fríos que eliminan la perspectiva ilusionaría, sobre telas de gran formato. Su técnica favorita era el óleo sobre lienzo, pero lo que le hacía especial era su forma de hacer que pareciese un fresco más que un óleo. Sus temas están inspirados en la mitología, la historia y la literatura. Su rasgo central es el decorativismo, como podemos ver en la pintura de gran escala para un interior de un edificio público:
Bosque sagrado amado por las Artes y las Musas.
Un paisaje silencioso de figuras con atuendos clásicos y nula excitación de la escena.
Esta obra alcanzó gran popularidad desde que fue expuesta en el Salon en 1881. Unos valoraron en ella su simbolismo: la máxima expresión de la misera absoluta según Péladan, y otros, como los Nabis, valoraron su extremada simplicidad, sus masas nítidamente delimitadas, sus colores uniformes, características reivindicables desde la misma estética sintetista.
Odilon Redon:
Considerado uno de los propulsores del surrealismo, se inició como escultor, así como en los grabados y la litografía. Durante la guerra frnaco-prusiana dibujó exclusivamente en carboncillo y litografía. Poseía una visión muy personal. Estaba interesado en el mundo la la botánica y los animales, así como seres extraños sobre fondos negros, que representaban el mundo de los sueños.
En 1884 fue uno de los fundadores del Salón de los Independientes, para así poder exponer su obra con libertad.
Los orígenes. El pólipo deformado anda por la orilla, un cíclope sonriente y horrible. Litografía.
En 1884 fue uno de los fundadores del Salón de los Independientes, para así poder exponer su obra con libertad.
Con los años se pasó al pastel y al óleo, siendo una obra más colorista e iluminada de pequeño formato, cuya temática se centra en los sueños.
El nacimiento de Venus.
Jasón.
El Cíclope.
Para ampliar su obra podéis acceder al siguente link:
http://www.odilon-redon.org/
Arnold Böcklin:
Será una de las influencias en el surrealismo; aunque comenzó siendo paisajista, tras sus vajes por Europa y entrar en contacto con el arte renacentista su temática cambió a las figuras mitológicas y alegóricas. Estuvo influenciado por el romanticismo, sus obras buscan la figura fantástica bajo una constitución marcada del clasicismo, creando un mundo de fantasía.
Será el repercusor del grupo de los Rosacruces con sus alegorías sobre la muerte y la antigüedad clásica. Se caracteriza por el estatismo y la serenidad en sus obras.
Medusa.
El juego de las olas.
Autorretrato.
Colección de La isla de la muerte:
La isla de los vivos.
Diana durmiente es observada por dos faunos.
Para ampliar la obra del autor podéis ir a este enlace:
http://www.arnoldbocklin.org/
El ídolo de la perversidad.
Los tesoros de Satán.
Autorretrato.
La escuela de Platón.
Para ampliar la obra podéis ver este vídeo:
http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=xRvh-6Ed-UU
La muerte y el sepulturero.
La noche.
Las figuras se simplifican, creando grandes mancas perfiladas por contornos oscuros, denominado CLOSIONNISME, un recuerdo de lo medieval. Se interesó por las vidrieras, tapices y grabados, adquiriendo su interés la iconografía cristiana.
El cristo amarillo.
La visión después del sermón: Jacob y el ángel.
En 1892 regresa a París y realiza una exposición con su nueva producción, añadiendo a su firma la lengua indígena.
¿Cuando te casas? Nafea faa ipoipo.
El espíritu de los muertos.
Mujer con mango.
Pero estas obras no cuajaron en los expectadores parisinos, así que arruinado volvió a Oceanía instalándose en la Isla Marquesas, donde realizará sus mejores obras.
El sueño.
¿De donde somos? ¿Qué somos? ¿A donde vamos?
La ofrenda.
EL talismán.
Yvette Guilbert.
Divan Japonais.
Influenciado por la litografía crea:
Artiste Bruant dans son cabaret.
Moulin Rouge, La Goulue.
Muolan Rouge.
La Guerra.
La encantadora de serpientes.
Será el repercusor del grupo de los Rosacruces con sus alegorías sobre la muerte y la antigüedad clásica. Se caracteriza por el estatismo y la serenidad en sus obras.
Colección de La isla de la muerte:
Para ampliar la obra del autor podéis ir a este enlace:
http://www.arnoldbocklin.org/
Jean Delville:
Pintor belga de desinhibida imaginación que mezcló lo erótico con lo demoníaco.Para ampliar la obra podéis ver este vídeo:
http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=xRvh-6Ed-UU
Fernad Khnopff:
Destaca por la figura femenina andrógena, tratada como ser mítico.
Charles Shawe:
Ferdinand Hodller:
Postimpresionistas con nostalgia por lo primitivo:
La idea de estos pintores era la de buscar lo rústico y primitivo, cuyo punto de encentro fue la localidad de Pont A ven, que se convirtió en una colonia de artistas de todas las procedencias, ya que era un lugar barato y los pintores podían encontrar inspiración en su paisaje.Paul Gauguin:
Iniciado en el ipresionismo por Pisarro, estaba muy interesado en el arte primitivo, pero fue el contacto con Bernerd lo que le proporcionó el cauce para buscar un lenguaje propio.Las figuras se simplifican, creando grandes mancas perfiladas por contornos oscuros, denominado CLOSIONNISME, un recuerdo de lo medieval. Se interesó por las vidrieras, tapices y grabados, adquiriendo su interés la iconografía cristiana.
Lienzo donde aparecen un grupo de mujeres que tras salir de escuchar el sermón observan la lucha de Jacob y el ángel, quienes se encuentran en el ángulo superior derecho de la pieza, mientras que las mujeres están en un primer plano de perfil y espalda en posición orante, con cofias blancas, yuxtaponiendo ambas escenas mediante un árbol. Destaca la sobriedad de la obra y el uso de contornos oscuros con colores simbólicos del cristianismo.
Mujeres bretonas en el prado.
Tras estos años Gauguin se traslada a Tahití, donde llena su obra de crítica. Enfrenta la libertad a la corrupta Europa, impregnando su obra de exotismo y pasándose a la temática alegórca, volviendo a producir obras escultóricas y cerámicas.
Ia Orana María.
En 1892 regresa a París y realiza una exposición con su nueva producción, añadiendo a su firma la lengua indígena.
Pero estas obras no cuajaron en los expectadores parisinos, así que arruinado volvió a Oceanía instalándose en la Isla Marquesas, donde realizará sus mejores obras.
El Grupo de Los Nabis:
Movimiento artístico dentro del simbolismo que dominará durante el 1890. Realizarán cuadros de superficies cubiertas por colores distribuidos según un orden. Este estilo de obra triunfó debido a la temática religiosa doméstica.
Paul Sérusier:
Pintor que aprendió de Gauguin a exagerar el color. Destaca su obra llamada:Pequeña tabla realizada bajo la supervisión de Gauguin. Es un bosque sin forma, donde predominan colores puros, siendo un anticipo de lo abstracto, y la obra que inaguró al grupo de Los Nabis.
Pintores que desarrollan su obra durante el periodo postimpresionista pero no entran dentro de este estilo:
Henri de Toulouse Lautrec:
Con él resurge el arte gráfico, de temática inpresionsita, ensayó el puntillismo; estaba interesado pos la línea, que era nerviosa, con una pincelada suelta, ágil y libre; cuyos temas son la vida contemporánea nocturna y lugares de espectáculos. El dibujo espontáneo hace que muchas de sus obras parezcan caricaturas de los retratados.Retrato de la actriz a carboncillo, acentúa los rasgos estilizándolos.Adquiere el colorido de las estampas japonesas, con figuras de primer plano en escorzo.
Influenciado por la litografía crea:
Henri Rousseau:
Es el primer pintor calificado de naïf. Autodidacta de gran poder expresivo, huye del naturalismo.Lienzo anti impresionista, cuyo valor reside en el detalle de la obra, con un dibujo casi esmaltado con espacios planos y serenos.
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